Haz clic aquí para editar.Aristóteles fue un gran filósofo de la escuela de Platón. Nació en el 384 antes de cristo. Una de las primeras influencias del jóven Aristóteles fue Eudoxo que al parecer difería bastante de Platón. Al tiempo Aristóteles decide transitar su propio camino. Fue tutor de Alejandro Magno y al regresar a Atenas, fundó el Liceo. En el que se impartían clases gratuitas. Aristóteles escribió a lo largo de su vida más de 300 obras, en las que estudió y desarrolló prácticamente todas las ramas del saber: física, metafísica, ética, biología, zoología, astronomía, política…
La poéticaLos primeros párrafos de la Poética de Aristóteles están dedicados a presentar más o menos de qué va a tratar. Hace una diferencia un poco general sobre la tragedia que es distinta de la epopeya, la comedia, y algunos bailes ditirámbicos…Lo establecido parece algo un poco por arriba pero por lo menos nos da para pensar que habían varias cosas distintas por esa épocas. Pero se centra un poco en el poder de imitación que tienen estas artes, imitan a veces en acciones, y en actos como en las tragedias y en las palabras en lo que llamaría Aristoteles a la épica o la epopeya. Entonces plantea las distintas formas de imitar y representar los objetos y las situaciones, los valores y las virtudes. Dice que imitar es natural al hombre, que lo hacemos desde chico y que imitar produce placer tanto imitar, como ver que otros imiten. Para Aristóteles el arte sirve para conocer lo que las cosas son. Diferencia entonces a las comedias de las tragedias en función de las cosas que imita. En la tragedia según él se imitan o representan personajes o hechos más dignos y elevados. Mientras que en las comedias se imitan o reproducen lo que él llama el vicio y el error o los excesos por así decirlo. Dice que las comedias imita a los hombres peores que los normales, y la tragedia imita a los mejores.
La FábulaLo que primero aparece es la Fábula, es decir el cuentito, que para Aristóteles es de importancia. Dice sobre el argumento que tiene que ser “una acción entera, perfecta y con una cierta magnitud”. Es entero todo lo que tiene principio medio y final. De ahí es que viene aquello de la estructura aristotélica…Y se pone a definir a qué le llamamos principio medio y final, y creanme que es bastante gracioso, porque dice que principio es algo que no sigue a nada, o necesariamente a nada mientras que el medio es lo que le sigue al principio y está antes del final y el final bueno ya sabemos lo que viene después del medio y luego no le sigue nada. Aristóteles y su lógica ¡creo que pensó demasiado! Habla luego de la belleza y de que hay belleza si hay órden y compara a un animal que es bello su no es muy chico ni muy grande…Que si es muy grande, la mirada no lo puede abarcar todo…con esto concluye que el argumento de una tragedia debe ser fácil de recordar. Entonces habla de la amplitud, que vendría a ser en realidad dónde empieza y dónde termina la obra.
Te lo traduzco, que pasen varias coas que sean creibles o que tengan justificación y qué dé para que una situación buena pase a mala o al revés. Una situación mala pase a ser buena. Dice también que el oficio del poeta no es contar las cosas como sucedieron sino como desearíamos que hubieran sucedido. Allí encuentra una diferencia entre poeta e historiador. Así dice que “la poseía es más filosófica y esforzada empresa que la Historia”. Y que la poesía es universal mientras que la historia es individual. Más adelante aparece mencionado el asunto de los hechos verosímiles, y es bien interesante este punto. Porque se refiere no a que las cosas sean verdaderas, sino creíbles. Que según lo que se plantea en el sistema que se está contando pueda ser creíble que suceda tal o cual acción.
AnagnórisisReconocimiento o anagnórisis: es una inversión o cambio de ignorancia a conocimiento que lleva a la amistad o la enemistad de los predestinados a mala o buena ventura. El personaje conoce algo que no sabía y por lo tanto cambia por completo lo que era la realidad para él. La peripecia es la inversión de las cosas en sentido contrario. Es decir pensamos que tal evento va a favorecer al personaje pero sin embargo no lo hace, le juega en contra. O al revés, pensamos que tal suceso le empeorará las cosas al personaje pero contrariamente de lo esperado le facilita la situación. Entonces dos cosas que constituyen el argumento o trama son la peripecia y reconocimiento; y la tercera, la pasión. ¿qué es la pasión para Aristoteles? es una acción perniciosa (perjudicial, que causa daño) y lamentable, como muertes en escena, tormentos, heridas y cosas semejantes. Pasa luego a mencionar las emociones dramáticas como el temor y conmiseración ganan terreno. No solo verlos sino oír de ellass te puede mover a la compasión Entonces menciona algunas cosas importantes, dice que es mejor que los personajes sean amigos, Es decir si le pasan ciertas cosas a los enemigos no nos vamos a compadecer. Si le sucede algo a personas indiferentes, tampoco. Pero si le pasan accidentes a personas cercanas, entre amigos o familiares es decir si un hermano mata o está por matar a otro hermano, un hijo a un madre, un padre a un hijo, hijo a madre…eso es lo que él recomienda buscar. También Aristóteles, recomienda no deshacer algunas historias que tienen que ver con la tradición sobre todo porque la gente se te va a enojar o no va a creer lo que está pasando. Los personajesLuego menciona los caracteres, es decir, los personajes. Cada personaje es una entidad. Digamos que el argumento y los personajes son cosas que se retroalimentan. Esos caracteres transitan unas acciones y lo hacen de esa forma y no de otra. Aquí explica algunas cosas para tener en cuenta sobre los personajes, él dice que es importante que los personajes sean buenos (bueno no buenos). Es decir buscar cierta ejemplaridad. En segundo lugar tiene que ser apropiado… y a esto se refiere que sea como se lo espera. En tercer lugar tiene que ser semejante, es decir que sea verosímil y cuarto que sea constante o sea que no se la pase cambiando, es decir que se mantenga reconocible. El recitado o la dicciónLuego se refiere al recitado, lo que dice la tragedia y cómo está estructurado. Hay un momento que Aristóteles se refiere a la dicción de los actores, y dice que debe el actor: “saber, por ejemplo, qué es mandato, qué ruego, explicación, amenaza, pregunta, respuesta y cosas parecidas.” Además habla de las sílabas, las conjunciones, las articulaciones, el nombre, el verbo el caso y la frase. Todas estas las define para tener en cuenta a qué se refiere. Vayan a la poética y la pueden leer. Las ideasPlantea que hay algo que son las ideas, el tema de lo que trata la tragedia, qué se cuestiona o qué manifiesta en esa tragedia. El espectáculoHay otra cosa a tener en cuenta en las tragedias, que es el espectáculo. Para nosotros esto tiene que ver con lo que llamamos actualmente que es la puesta en escena. Todo lo que tiene que ver con lo que se ve, sobre el escenario, qué objetos aparecen, entradas y salidas. Los artefactos que aparecen en la escena. El cantoLa última es el canto. Que como bien sabemos gran parte del espectáculo contenía una melodía y eran en su mayor parte cantadas.
Y menciona detalles como por ejemplo que Edipo no supiera cómo muriera Laio, seguramente en su época habría muchas charlas de bar sobre este tema. Mucha gente enojada después de ir al anfiteatro. En fin...Las objeciones que se hacen a los poetas son de cinco especies: "que dicen cosas imposibles, o irracionales, o ajenas del asunto, o contradictorias, o no conformes al arte." Así más o menos va terminando Aristoteles su Poética. Este tratado nos ayuda a comprender cómo eran las tragedias. También nos hace pensar sobre las nuevas escrituras y nos plantea una forma de evaluar o dividir las partes de un espectáculo para analizarlo.
También te podría interesarPara hablar de la tragedia vamos remontarnos a los orígenes en Grecia. Tenemos que hacer un ejercicio importante de “entendimiento” ya que nuestra época y nuestra forma de ver el teatro y las historias, es bien diferente que la que había en Grecia en aquel momento. Los Mitos, que para nosotros hoy son historias antiguas, para los griegos eran parte de una realidad revelada y que convivía con la realidad cotidiana del día a día. Los Mitos, que contenían sabiduría y conocimientos, eran contados por los Rapsodas. Estas personas contaban y cantaban de memoria y eran lo que podríamos decir una palabra santa. Es decir, eran como un canal que conectaba el saber de los dioses entregado a los hombres.
TragediaEl término procede de la voz griega tragoedia o “canto del macho cabrío” -¿Quién traía las entradas? -No son numeradas. un pequeño cuento ….Antes de meternos con la tragedia me gustaría traer una pequeña historia de Roberto Calasso que cuenta en su libro Las bodas de Cadmo e Harmonia la historia de Icario quién había alojado a Dioniso. Dice así “Icario, una noche, bebía con unos pastores. Algunos cayeron en un sueño profundo. Parecía que ya no se iban a despertar. Los pastores comenzaron a sospechar de Icario. ¿No habría ido a envenenarles para llevarse sus rebaños? Sintieron entonces un impulso homicida. Rodearon a Icario. Uno llevaba en la mano una hoz, otro una pala, otro un hacha, otro una piedra enorme. Todos golpearon al anciano. Y al final uno lo atravesó con el asador de la cocina.” Esta narración intenta de alguna forma explicar algo que tiene que ver con la tragedia, con su origen, también con su esencia. Sigue contando: “Mientras moría, Icario recordó una anécdota que le había ocurrido un poco antes. Dioniso le había enseñado a plantar y cuidar las vides." Este Dioniso era la deidad que le ofrece la sabiduría de plantar la vid con la que luego se hace el vino. "Icario seguía su crecimiento con la mirada amorosa que tenía para los árboles, en la espera de poder exprimir con sus manos el jugo. Un día sorprendió a un macho cabrío comiendo las hojas de la vid. Sintió una gran furia e inmediatamente mató al macho cabrío. Ahora sabía que aquel macho cabrío era él mismo. "
Sigo con Calasso ahora: "Pero algo más había ocurrido en torno de aquel macho cabrío. Icario lo había despellejado y, tras ponerse la piel del macho cabrío muerto, había improvisado una danza junto con otros campesinos alrededor del cuerpo lacerado del animal. Icario no sabía, mientras moría, que aquel gesto había sido el origen de la tragedia, pero sabía que la historia del macho cabrío estaba ligada con lo que le estaba sucediendo, mientras los pastores giraban a su alrededor y cada uno de ellos le hería con un arma diferente, hasta que vio el asador que le atravesaría el corazón."
En este libro Calasso elabora un interesante marco para entender sobre el origen de la tragedia: "Hay tres fases: Icario mata el macho cabrío; Icario despelleja el macho cabrío e hincha una parte de la piel en un odre; Icario y sus amigos bailan alrededor del macho cabrío, pisan el odre, visten jirones de la piel del macho cabrío. Así que la danza alrededor del macho cabrío es también la danza de los machos cabríos. Es como si un largo proceso, confuso y oscuro, se redujera de golpe, ante nuestros ojos, en unos pocos elementos, desgastados pero capaces de liberar una fuerza inmensa." Espero que les haya resultado tan esclarecedor como a mí. No se crean que van a aprender qué es una tragedia tan solo leyendo un artículo en un blog, por que el tema es grande...y largo (como tragedia griega) Pero apasionante. Con esta introducción sobre la tragedia estamos en condiciones de abordar el famoso texto de la poética de Aristóteles que será el cometido del próximo post de este blog de teatro. (si tengo tiempo)
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Luego aparecen los juglares, los recitadores, los cómicos, que con su arte transmiten y relatan de generación en generación historias de otro tiempo, de otros lugares. Viniendo más cerca en la pedagogía de Lecoq y más precisamente en su libro "el cuerpo poético", él describe varios territorios teatrales. Las máscaras, el clown, los bufones, la tragedia y los cuenta-historias. En su poética estas geografías, territorios, estilos, podríamos decir que están relacionados. El cuerpo del performer y su manejo a la hora de transmitir a un público toma determinadas herramientas para crear una conexión. Dos mundos importantes se cruzan en este rol: El cuerpo, que frente al público cuenta y la historia que cuenta. El actor o la actriz que está ahi ¿quién es?¿Hace un personaje? es decir ese juglar, narrador, cuenta-historias ¿qué es? ¿quién es?¿Tiene su propia biografía? Es decir ¿Es algo establecido? o simplemente...¿es la persona que cuenta? Aquí hay varias posibilidades (como en todo, salvo cuando voy a la heladería solo hay dos, sambayón y dulce de leche). Si bien todas son válidas al principio estudiemos solamente la posibilidad de que este performer sea lo más neutro posible es decir, que no nos dé información de su pasado, de donde es, de qué trabaja, etc. Es imposible ser neutro, es cierto. Porque un cuerpo es un cuerpo, alguien se para en el escenario y vemos si es mujer, hombre, blanco, afro, bajo, alto…etc. Pero la idea es tratar de no dar más información al respecto. Lo que sí tenemos que trabajar es un cuerpo vivo. Y ¿cómo hacemos eso? Lo primer es trabajando sobre el nivel de la pre-xpresividad. Para eso trabajamos los equilibrios y los desequilibrios, la danza de los opuestos, (servirá para esto echar mano al trabajo de Eugenio Barba, me anoto por aquí hacer un post sobre él) los ritmos, los impulsos…etc
Otro aspecto que tiene el cuenta historias es que debe captar la atención. ¿Qué cosa en este mundo capta mi atención? ¿Qué hace que yo en la calle me detenga y mire?. Los artistas de feria, los artistas callejeros pasan mucho tiempo pensando cuales dinámicas usar para llamar la atención de los transeúntes. Luego, ¿cómo mantengo esta atención?…¿Cómo cambio mis dinámicas para mantener la atención? Bueno, necesito una promesa. Necesito un combustible llamado "intriga". Allí llegan las historias. ¿Qué pasará? ¿quieren saber? ¿quieren saber? Ya se los cuento. Pasando al otro lado, al de la historia. (La que contamos) La historia tiene sus eventos, sus personajes, sus decorados, sus conflictos. Ya entraremos a eso. Pero, y es algo que estamos acostumbrados en las novelas, en los cuentos, a alternar la figura del narrador, o sea el que cuenta la historia y la historia misma. Este narrador puede estar afuera de la historia es decir no participar, o puede estar dentro de la historia y tener sus puntos de vista de los hechos. No entraré en esta última opción porque me quiero detener en el narrador neutral o neutro. Pero podemos decir que este narrador aparece y desaparece. Cuando aparece lo vemos y cuando desaparece vemos las escenas de la historia. Así que una da las primeros ejercicios es pensar cómo puedo contar escenas sin palabras y ser claros con nuestro cuerpo. sirve mucho trabajar con idiomas inventados para activar nuestra fisicalidad y también nuestro sentido lúdico.
Luego, cómo contar historias de a dos persona. Tomando en cuenta que todos deben contar y actuar las escenas. Qué pasa si reducimos el espacio del escenario y tienen que hacer todo en ese lugar reducido sin poder salir. Siempre a vistas del público. Cómo desaparecer o transformarse en otra cosa. Jugar a ser un cuerpo y cosa o paisaje o decorado. Pensar en el tiempo como si se pensara en una coreografía. El cuenta historias tiene la capacidad de saltar de un lugar a otro con solo enunciarlo. Por ahí voy dejando este post para seguir pensando en contar historias de mil formas. ¿qué cosas se les ocurre a ustedes?
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El teatro virtual: ¿una respuesta frente a la emergencia coyuntural o un nuevo modo de representación?Frente a la epidemia se han tomado decisiones que privilegian determinados aspectos de la Salud. Sobre todo, los que tienen que ver con los contagios dejando de lado muchos otros aspectos, que hacen a la salud. El Teatro como actividad no quedó exenta de formar parte de esta transformación. La situación del Teatro y la Pandemia nos sigue resultando angustiante. Al comienzo, las actividades fueron emergiendo y se han realizado muchas experiencias desde el 2020 hasta hoy. Muchos artistas compartimos nuestros materiales, emitimos nuestras obras filmadas, incursionamos en puestas específicas y hasta escribimos obras sobre la pandemia. Hemos desarrollado un sin número de acciones para mantener nuestro oficio durante este tiempo de aislamiento. A fuerza de insistir, continuamos día tras día, preguntándonos si lo que hacemos es a favor o en contra de nosotros mismos. ¿Puede el Teatro ocurrir sin la presencialidad? ¿Estamos tratando de sobrevivir o abonando la posibilidad de borrar la rica experiencia del teatro presencial y cambiarla por una cómoda experiencia virtual sin siquiera moverse de la casa?
Para centrarnos en el análisis, es necesario diferenciar entre los materiales teatrales previamente filmados o incluso las clases grabadas, ya que ese tipo de formato propone una dimensión donde emparenta dicha experiencia a la experiencia de ver una película o un video. En la mayoría de los casos, la calidad es mucho más rudimentaria ya que no cuenta, como el lenguaje audiovisual, con la elección de los planos, el montaje, la iluminación, etc. Aún cuando una historia pueda ser compartida, aún cuando logre movilizar emociones o incluso transmitir reflexiones, dista bastante de la experiencia vivencial que tiene el tiempo compartido del teatro o la clase de actuación presencial. En lo que sí nos centraremos en este texto, es el teatro emitido y presenciado en tiempo real, que comparte con el teatro tal como lo conocemos, el hecho de que es vivido sincrónicamente. Al compartir, el público y los actores el tiempo de la representación, se logra como dice Dubatti: el Tecnovivio. La diferencia que tiene con el Teatro convencional es que, en lugar de convivir en un espacio común, lo hace en una plataforma tecnológica.
La pandemia ha acelerado nuestra vida que ya venía bastante acelerada. Esta crisis sanitaria casualmente o no tan casualmente, aparece justo en el momento que nuestras posibilidades tecnológicas están listas para “ayudarnos”. “Las tecnologías hacen al ejercicio del poder”, al decir de Foucault: “Cuando pienso en la mecánica del poder, pienso en su forma capilar de existir, el proceso por medio del cual el poder se mete en la misma piel de los individuos, invadiendo sus gestos, sus actitudes, sus discursos, sus experiencias, su vida cotidiana”.
Ganado y perdidoEl tiempo que hemos ganado por no trasladarnos a los lugares lo hemos perdido en nuestras actividades a través de las pantallas. Hemos aumentado vorazmente nuestra actividad frente a las computadoras y hemos perdido indudablemente la batalla que libramos con nuestros menores a cargo. Realmente hemos perdido en la disputa de querer alejarles de los dispositivos tecnológicos ya que ahora debemos ocuparles con dispositivos mientras nosotros trabajamos con otros dispositivos en nuestro propio hogar. Nuestra casa se transforma en nuestra oficina, nuestro salón de clase, nuestro teatro. Finalmente todo esto deja de ser “nuestro” para ser de otros. Es aquí donde queda de manifiesto que la sociedad de control realmente ha dado un salto y se ha vuelto implacable. Ahora ya no queda rincón de nuestro hogar, ni de ninguno tal vez, que no esté registrado. Son pocas las reuniones, los ensayos, las conversaciones que realmente sean privadas. No escapan a ello las empresas, los políticos, los gremios, las reuniones, las clases, los ensayos y cualquier conversación personal ya que ahora está mediada y puede ser escuchada e intervenida desde cualquier lugar. El universo de lo “privado” cada vez es más pequeño. No hace mucho tiempo, las redes sociales aparecieron con una divertida invitación a publicar nuestra vida personal por mero placer, pero ahora compartir nuestra intimidad es una obligación laboral. Los trabajadores de este tiempo debemos aportar nuestros equipos, nuestras señales de wifi, además de nuestro tiempo y energía. Ahora no nos llevamos trabajo a casa porque nuestro trabajo está en nuestra casa. ¿Dónde queda el espacio para el ocio y el esparcimiento? Y luego de esto nos preguntamos: ¿qué tiempo queda en la sociedad para el arte? Pensando en todo esto: ¿Qué hacemos los artistas en esta coyuntura? Investigamos, buscamos los límites, jugamos con las posibilidades inútiles. Los artistas nos abrazamos a la posibilidad de seguir encontrándonos desde algún lugar como lo hacíamos antes. Veamos lo que perdimos y ganamos con todo esto. Por supuesto que se han perdido algunas cosas importantísimas en nuestros encuentros y reuniones y por supuesto también en el hecho teatral; como el tacto, el olor (y no me refiero a los síntomas del covid), la energía corporal, los cambios de espacio, nuestras espaldas. Perdimos los tiempos intermedios entre un lugar y otro, nuestros encuentros y charlas casuales. Tenemos algunas ganancias también. Hemos ganado cercanía con los primeros planos, la posibilidad de apagar la cámara y escuchar sin ser vistos, hacer un acercamiento en los detalles, grabar o hacer captura de pantalla, ganamos la posibilidad de estar en pantuflas, de tener varias reuniones al mismo tiempo, y por supuesto hemos ganado estrés. Nos quedan muchas preguntas: ¿Puede existir el Teatro en estos lugares? ¿Lo que hacemos sigue siendo Teatro? ¿Podemos los artistas seguir convocando desde la virtualidad? ¿Qué hacemos los que hacemos teatro sin hacer teatro? ¿Cómo seguir enseñando Teatro? ¿para qué y cómo? ¿se puede enseñar algo que no se puede hacer? Si nuestros ingresos económicos vienen del Teatro, ¿Cómo seguir consiguiendo nuestro sustento? Sin duda, que lo que estamos haciendo es lo que podemos y cómo podemos mientras no enfermamos y por supuesto y sobre todo, mientras tenemos vida.
También te podría interesar:Empecé a dar unas clases en el Teatro Circular sobre Expresión Corporal. Es una parte de nuestro trabajo como actores: pensar nuestro cuerpo como una herramienta expresiva. Así que estuve investigando algunos referentes para trabajarlo. Me acerqué en primer lugar al libro de Norma Berriolo. Norma trabaja desde hace mucho tiempo sobre este campo y merece un post aparte. Lo haré un poco más adelante. (me lo anoto por acá) Su libro que también merece ser reseñado se llama: El cuerpo en juego. Así que le pregunté a Manu, (Manuela Montalto, mi compañera que es profesora de Danza Contemporánea por lo que tiene más información que yo. Entonces nos fuimos a una parrilla y me contó sobre la Danza libre y el trabajo de Patricia Stokoen (Argentina) quien desarrolló su trabajo sobre expresión corporal. Pasamos un buen rato y comimos rico. (Parrillada Feliciano muy recomendable) Finalmente terminamos hablando de Laban que es de quién hoy voy a escribir. Rudolf Laban es húngaro, nació en Hungría en 1879. Viene de una familia aristocrática, estudió arquitectura y se interesó mucho en la relación entre las formas del movimiento humano y el espacio que lo rodea. Laban desarrolló un método de notación matemática donde documentó las poses del movimiento humano y que posibilitó a los coreógrafos el poder registrar los pasos de los bailarines y otros desplazamientos corporales, así como también su ritmo. Si quieren saber más de Laban hagan como yo y vayan a wikipedia. Pero ahora escribiré de las cosas que resalto o que me resuenan. La primera es el concepto de Kinesfera. Podemos imaginar que tenemos una esfera de posibilidad de nuestro movimiento alrededor de nuestro cuerpo que se llama Kinesfera. Recomiendo que visiten este blog que es donde encontré la info para hacer este post: https://www.entretanto.co/la-kinesfera Para abarcar estas posibilidades podemos pensar dividir nuestras posibilidades en tres ejes o tres planos: De arriba abajo, de atrás adelante, de izquierda a derecha. Esto nos ayuda a identificar y registrar los movimientos y saber cómo estudiarlos. EL EFFORT Laban definió un sistema de cuatro elementos para hacer un estudio cualitativo que le llamó El Effort. Los cuatro factores dinámicos del movimiento son:
Los cambios de dinámica están dados por las variaciones del esfuerzo el cual está compuesto por:
8 ACCIONES BÁSICASLaban plantea que hay 8 acciones básicas. ellas son:
El sistema es bastante interesante para poder pensar en qué mover y cómo moverlo. Además de pensar en una danza libre. Es decir generando codificación sin "pasos" como en el ballet por ejemplo. Pero Es como tener un mapa. Colocarle palabras a las dinámicas y las posibilidades del movimiento. Espero que les sea útil la información. Saludos y a seguir bailando. Te podría interesar también¿Qué piensa el Teatro en estos tiempos de pandemia? ¿qué piensa hacer?¿cuánto tiempo durará este entre acto? ¿Cuándo fue que nos volvimos tan sanos? ¿Cuándo en el Teatro no fuimos peligrosos? Imagino a Artaud levantándose de su tumba y volviéndose a revolcar. Dicen que el Teatro no ha de extinguirse. No vengo aquí a preguntar si el Teatro es necesario porque es tonto simplemente el argumentarlo. Es tan necesario como el aire, el alimento, el comercio o la salud. Todos lo saben. El teatro es parte de nosotros, todos los sabemos. El problema no es lo necesario, el problema es la valoración. Lo que vengo a decir es que es muy poco valorado. ¿quién no lo valora? Nuestra sociedad. Nuestro pueblo, nuestra clase política, nuestros espectadores, incluso nosotros los artistas. El Teatro, su necesaria práctica es muy poco valorada. Los artistas que lo realizan somos muy mal valorados. Eso es lo único que vengo a decir. Esto habla de nuestra cultura, de cómo se valora así misma. Tiene que ver con la autoestima del pueblo y de sus prácticas culturales. Es no haber sabido conectar con esa fuerza que te nutre. Pensar que eso que respiras no es útil porque siempre está. A veces hay que cuidar mas nuestras cosas. Desde el Teatro hasta el planeta. Estamos pasando por una crisis global. Una más de las tantas. Éste es un evento global sustancial, es el primero que me toca vivir, pero ya hubo muchos a la largo de la historia, las guerras, las revoluciones, las guerras frías, las dictaduras en Latinoamérica. Esta es la primera que puedo vivir desde adentro y puedo decir que el desconcierto que se vive es tal, la confusión es tal y la falta de certeza es tal que todo se asemeja a un chiste, si no fuera grave. Sería gracioso. Pero es muy grave. Ideológicamente muy grave. Esta crisis está revestida de mucha cáscara, de mucha transmisión on line, de mucho marketing. Se nos presenta con el título de “Crisis Sanitaria” pero lo menos que tiene es de crisis sanitaria y eso es fácil de ver y constatar. En un año de covid en Uruguay llevamos unas 900 muertes y sumando. Lamentables muertes inesperadas pero en 2016 por tomar un año hubo diez mil muertes por enfermedades cardiovasculares y nadie paró ningún país ni se tomaron grandes medias. Y podríamos seguir con la lista de enfermedades más peligrosas, más dañinas. La enfermedad de la gripe covid-19 es grave si, no estoy negando su existencia. Sólo digo que está acompañada de prácticas de control excesivo que nada tienen que ver con el objetivo de detener los contagios sino de establecer una escalada de control social. Es el hecho global constituido el que necesitamos problematizar. O por lo menos preguntarnos sin ser tildados de negacionista sino todo lo contrario, si todo tiene que cambiar ¿cómo podés hacerlo sin cuestionar por qué? ¿Por qué aceptar esta realidad sin cuestionar? Lo menos que podemos hacer es cuestionar el mundo que se levanta ante mis ojos. Como actor, como artista necesito encontrar respuestas ¿Cómo puede ser que en todo el mundo se impongan ciertas medidas que coartan tanto la forma de ser del ser humano, al mismo tiempo, de la misma forma? ¿Cómo es posible que con todas las incoherencias sigamos estas reglas absurdas? Porque es muy difícil de entender no poder estar en una sala de Teatro pero sí en un ómnibus repleto de personas. Los estudios científicos son por lo menos cuestionables, el uso de mascarilla fue no recomendada por los estudios, sin embargo es obligatoria. Se sabe muy poco y sin embargo se hacen cumplir unas medidas que recortan las libertades sociales. Lo primero que han cortado en nuestro país fue la educación y la cultura. Es difícil de entender salvo que uno intente entender cuál es el trasfondo de todo esto. Se alimenta el miedo y se lo coloca como sociedad policíaca de sí misma. Es el vecino o la vecina que denuncia si alguien no está cumpliendo las normas. Normas, que por otro lado, se instalan muy rápidamente. Lo han hecho desde el comienzo como un protocolo de actuación como medidas globales. Una de las primeras es el amistoso “quedate en casa” en todo el mundo con imágenes de balcones y aplausos, cartelitos, spot de amor y cuidado. El segundo término que se instala es el de la nueva normalidad. Es que no me entra en la cabeza, cómo puede arrancar un evento tan fuerte y tan de golpe que ya nos dicen que las cosas han cambiado. Que se va a instalar algo nuevo, que será visto como una nueva normalidad. Algo que te repiten una y otra vez para que vos te acostumbres. Y cuando no te acostumbras te atacan con el miedo y con la culpa de no contribuir con el país, con tus mayores, con tu sociedad. Si esta crisis realmente fuera una crisis sanitaria, lo único que importaría sería que la gente no perdiera la salud, entonces podrían quedarse en casa. Pero eso no puede pasar por lo económico, entonces esta no es una crisis sanitaria sino económica. Ya que los últimos datos que tenemos es que las personas más ricas del planeta se hicieron más ricas durante la pandemia, mientras que tenemos más pobres. Por lo que podemos deducir que el relato de la pandemia beneficia más a unos que a otros. ¿Qué pasaría si el relato dijera, que hay un grupo de personas que se enriquecen vendiendo temor y miedo y que se solucionaría todo sacando de ellos el dinero necesario para que las personas que no han perdido sus trabajos tengan un subsidio? Seguramente la mayoría de las personas si lo pensara dos veces apoyaría esto. Pero, tanto los grandes medios de comunicación como los aparatos represivos defienden los intereses de los grandes capitales. Solo nos queda repetir nuestra historia una y otra vez.
Quiero recordar que a nivel global los movimientos sociales en el año 2019 se habían levantado con gran vehemencia, en China. En Francia los chalecos amarillos estaban incendiando las calles, en Chile una batalla campal durante semanas para decir que chile había despertado y quería cambiar radicalmente. Ese era un panorama intenso de algo que se venía, prometía un gran movimiento social, un gran cambio de reglas pero casualmente se desprende una pandemia. Hace un tiempo que me dedico a crear historias y no creo mucho en las casualidades, sí en las circunstancias dadas, y si bien no creo en las conspiraciones globales sí creo en la construcción de relatos. También que ciertas acciones generan consecuencias esperables. También que algunas acciones de caos y distracción generan un panorama que provoca oportunidades favorables para algunos intereses. Pero no quiero centrarme en este texto en los orígenes de la pandemia sino en los hechos que aparecen como consecuencia. Una vez más el arte, el teatro y la educación están relegados. Apartados de su carril libre para ser prohibidos, controlados o dosificados. Me pregunto también ¿Por qué será que hay que prohibir la fiesta y no prohibir el consumo o el trabajo? ¿Por qué se puede seguir trabajando en una obra de construcción, haciendo calles, vendiendo ropa, comida, etc. pero no se puede ver una obra de teatro, hacer un concierto o ver una obra de danza? Y la respuesta casi siempre es porque una cosa es necesaria, imprescindible y la otra no. Es la gran batalla cultural que hay que dar todo el tiempo. El valor intangible de la cultura es innegable pero a la hora de comparar siempre pierde. Durante la cuarentena del 2020 la gente común busca en las palabras de los y las poetas formas poderosas para expresarse, se resguardan en una canción, en un libro, se comparten obras de teatro pero a la hora de pensar si es necesario subsidiar la cultura, no todo el mundo lo afirma con certeza. Voy a centrarme en Uruguay en este momento, desde marzo del 2020 hasta agosto se prohibieron los espectáculos artísticos, luego de agosto a diciembre se abrieron con un aforo mínimo del 30 por ciento de la sala. Este año funcionó igual hasta marzo que nuevamente se suspendieron todos los espectáculos. ¿De qué vive una persona que se dedica al arte si no puede trabajar del arte? ¿Qué es lo que piensa un gobernante de esto? ¿Lo entenderá cabalmente? ¿Podrá una persona que se dedica a la política comprender cuánto se necesita para vivir? Hace un tiempo le preguntaron, en una entrevista a Lacalle Pou por qué no donaba parte de su sueldo como lo hacía Mujica y él contestó que no lo hacía porque tenía que mantener su standard de vida. ¿Qué queda para nosotros? Pero...¿Qué fue lo que hizo este gobierno por los artistas? Bueno, nos preguntó cuánto trabajo teníamos pendiente y cuánto perdimos por el cierre de las actividades. Así que tenían la información ¿Qué nos dieron? ¿Nos dieron lo que perdimos? No. ¿nos dieron la mitad de lo que habíamos perdido? No ¿nos dieron el 30 por ciento de lo que pedimos? No. ¿Qué nos dieron? Unos subsidios tan magros que dan vergüenza. Pero vergüenza, vergüenza. Así repetida por 3 millones. Y cuando le preguntaban por qué ese monto, dijeron que era lo que el estado había dado a otros trabajadores independientes. Lo dijeron sin vergüenza. Porque es lo que son. Personas que no les da vergüenza cobrar 20 veces más que otras personas. Para eso sólo se puede ser un sinvergüenza así con todas las letras. El máximo que dieron es de este año 3 meses de $6.800 para las personas que no reciben ningún otro ingreso. ¿cómo puede pensar alguien, algún político, que una persona puede vivir con $6.800? Si el estado se va a hacer cargo de esta lamentable circunstancia, negar la posibilidad de trabajar a un sector para beneficiar a la sociedad, no puede ser que lo condene a morirse de hambre. Cualquier persona sabe lo que sale un alquiler en Uruguay, un apartamento de 1 dormitorio de $13.000 a $17.000 de dos dormitorios de $17.000 a $25.0000. Todos sabemos lo que sale un surtido para el mes en el super y todos sabemos que la gente además de casa y comida tiene otros gastos. ¿cómo puede hacerse cargo el estado de una actividad dando tan poco? ¿Cómo podemos tener un sueldo mínimo tan mínimo en general? Las cosas en Uruguay están mal pero para las personas de la cultura estamos peor. ¿Por qué el gobierno se hace cargo de esta forma tan insuficiente? Puede ser por desconocimiento o por inexperiencia. Puede ser por maldad, es un argumento. Puede ser por desidia. Es cierto. Puede ser por poco apego, porque te quiere poco. Porque no te valora. Puede ser porque te castiga. ¿Por qué un gobierno castigaría a su sociedad? Por su propio bien. Ese gran verso que nos han dicho tantas veces. El manejo de la crueldad es feroz. A nosotros los artistas nos toca recordar que somos parte resultante de la sociedad. Somos parte importante. Somos personas, somos trabajadores y precisamos ser tratados y valorados mejor, sobre todo en vida. No esperar a valorar el arte cuando los artistas han desaparecido. Valorar como sociedad lo que tenemos ahora que lo tenemos.
También te podría interesar:Este es un post sobre clown y sobre la relación que tiene con el número 3. No sé si tiene algo que ver con que la mayoría de la música para circo ternaria pero me gusta ponerme místico y decir que el clown también entra en la categoría de cosas que influye el mágico número. Desde las antiguas culturas, los Druidas, los Esenios, los Griegos, los Romanos veneraban al 3 como un número con propiedades sagradas. Aristóteles hablaba que el tres le venía bárbaro porque contiene el principio, medio y final. Cuando hablamos del tiempo aparece el pasado, el presente y el futuro. El famoso de dónde vengo, quién soy y a dónde voy. Además el tres es considerado el primer número impar, no sé si es muy importante pero es primero en algo. Se habla de la santa trinidad del Padre, el Hijo y el Espíritu Santo. En los cuentos encontramos los tres cerditos, los tres reyes magos, los tres mosqueteros...
Cuando trabajamos clown nunca estamos solos. El clown entra al escenario y ya hay tres. El Clown, el espacio y el público. Tomemos al público como una unidad, aunque podría ser una sola persona que se hace contacto visual. Lo mismo el espacio, tal vez es un zapato, una silla un bastón o todo el espacio en el que está el clown. Podría ser también el clown mismo, su pensamiento y un contacto visual del público. Allí siempre podemos elegir tres sitios, o puntos fijos. Los ojos y la cabeza guían la dirección. La mirada al público, conecta, comenta, comparte. Hablamos de la complicidad del clown en el post ¡El clown derriba la cuarta pared! El clown usa su mirada y cuenta, da intención. La mirada del clown va a su zapato y luego al público. Y ya tenemos un triángulo o un “tri-púntico”. (me gusta inventar términos) Como quieran llamarle. El clown luego que establece los contactos simplemente puede variar las velocidades, las repeticiones, encontrar el juego en el cambio.
Tres ejercicios de clown en regla de tres...en un, dos, ….1- Cuenta hasta tres antes de...El ejercicio es muy interesante para encontrar un tempo, lograr aplomo y presencia. Muchas veces pensamos que el clown tiene que hacer mil cosas desenfrenadamente para llamar y mantener la atención del espectador. ¡Pero no! Chiques quedense tranqui un poco. ¡Qué guricitos estos! En realidad lo más importante es ser claro, ser potente en el gesto y sostener. ¿Cuánto hay que sostener? El tiempo necesario para establecer comunicación. Muchas veces es más útil esperar más que menos. O hacer menos que más. Las contradicciones son las cosas que nos sirven más en clown. El ejercicio es este: contar hasta 3 internamente antes de reaccionar. Si te digo “¿ves esa silla?” el clown tiene que contar internamente 3, luego mirar la silla, luego contar tres volverme a mirar, luego contar 3 y luego contestar “¿esa?” o “si”. De esta manera empezamos a ver un personaje lento, y pensativo, algo tonto y divertido a la vez. Después que se prueba un poco se puede generar alguna situación para armar una escena de clown usando esto de los tiempos. Siempre buscando el juego. Nada de lo que hagamos en clown puede estar ajeno al juego. Así que luego que hayas probado un poco este ejercicio y te salga técnicamente usalo jugando. Siempre a tu favor.
2-Repite el error tres vecesDe las reglas básicas de cómo ser un clown y vivir eternamente en el imaginario colectivo se extrae esta norma. Si estás haciendo un número o una improvisación y algo sale evidentemente mal, es decir sucede un accidente: Una escoba se cae, una pelota que rueda, un sombrero que no se queda en la cabeza, etc. La regla de oro para llamarte clown y permanecer en el podio es que tenés que repetir ese error tres veces y la gente hará chilenas (espero que no me denuncien por algófobo) de risa. Pruébenlo es efectivo. Pero no intenten hacerlo tres veces con tres equivocaciones porque la gente saldrá a comprarse un pancho y los olvidará por completo, o los recordará como el peor clown que se toma al pie de la letra todo lo que le dicen y encima se piensa que es un crack. Dicen que no hay errores, pero si existen ponelos a tu favor... y repítelo.
3-La tercera es diferenteLa técnica es conocida por todos los contadores de chistes. Si conocen algún contador por favor agarren el teléfono y pregúntenle, luego me comentan. La idea es ser consciente que la primera vez se muestra algo, la segunda se repite igual y al repetirlo se crea una copia, el público esperará por lo tanto una nueva repetición. ¡Pero no! Al cambiar en la tercera ocasión se logra la sorpresa. Presentación, repetición, sorpresa, sería la terna para este ejercicio. Y se puede usar al caminar, por ejemplo, el clown viene con un paso, camina de una manera que al tercer paso puede variar por un tropezón, un escalón o un stop. Otro ejemplo es algún gesto o rascarse alguna parte del cuerpo. Otro ejemplo podría ser intentar algo, como abrir una puerta intentar de una forma, repetirlo y en la tercera oportunidad hacer algo totalmente distinto. Esto puede hacerse seguido o en una obra se puede explotar con distancia. Es decir cada tanto tiempo se repite una acción que es grabada en la memoria del espectador, la próxima la esperará pero se hace lo contrario o algo inesperado. Estas son algunas cosas interesantes que se pueden jugar con el clown y el número 3. Espero que les haya gustado y que continúen con la construcción de su próximo número sea cual sea. Les dejo una foto de la santísima Trinity diciendo adiós, sáquenme de aquí!
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Un podcast de Teatro para hablar de los proceso creativos en las Artes escénicas. Como dicen en Twitter: Nadie lee. Así que me dije y ¿por qué no hacer un podcast? Fantástico pero...¿Qué es un podcast?
Bueno...entonces estuve averiguando que POD vendría a significar Play on DEMAND o sea.....juega y enciende una demanda. No. Escucha a demanda.Es decir, que lo podes escuchar cuando quieras.¿Y Cast? No importa ahora. Entonces, me puse a transformar los posteos de este blog intitulado Teatro emBlogado y pasarlos al audio. Menudo trabajo! Pues sí, aquí estamos con los auriculares y los micros, espero que les apetezca, ya estoy escribiendo como español de ver tanto tutorial para poder hacer esta píldora radial. Saludos Terrícolas.
Les dejo el Podcast aquí que lo podrán escuchar en spotyfy, Google Podcast y chorrocientas plataformas más.
Te podrían interesar:¿De dónde saldrán las ideas?¿Nos nacen a todos de la misma manera? ¿Es que llegan de golpe, como un rayo que te alcanza, un fogonazo de luz que te ilumina? ¿O se trata solo de puro trabajo? ¿Será como decía Picasso que la inspiración lo tenía que encontrar trabajando? Poco nos importa mientras nos aparezcan en algún momento. Lo cierto es que si supiéramos de dónde salen o como vienen nos sería bastante útil. Bueno podemos decir que las ideas nos vienen de la vida. De repente aparecen las ideas porque tenemos una necesidad, o porque nos estamos concentrando mucho en algo o nos surge del aburrimiento. Lo vimos en el anterior post llamado: esa maldita página en blanco me está mirando, que una idea podía venir del fracaso. Sin duda hay un momento de inspiración donde aparece la imaginación al poder y nos salva.
Muchas ideas surgen de las asociaciones. Cuando vemos o conectamos dos cosas que antes no estaban conectadas. Sucede por ejemplo cuando compramos algún aparato para armar, abrimos y deducimos que hay algo parecido a un enchufe que posiblemente se debe colocar en otro lugar, que se parece a algo para colocar un enchufe. Parece simple pero eso que surgió fue una idea. Posiblemente lo hayamos desarrollado de pequeños con tantos juegos de encastres y puzzles y demás. Pero esa habilidad es nuestra. Las asociaciones son muy buenas para tener ideas. Por eso es de gran ayuda generar una lista de asociaciones. O lo que es mejor hacer un mapa mental, que es una lista de listas pero desarrollado en un plano. En medio la palabra o la foto de algo y luego abrir ramificaciones con todas las asociaciones posibles. Esto funciona muy bien ya que nuestra imaginación trabaja como una red, es decir se expande en todas direcciones. Y cruzando líneas de asociaciones podemos llegar a nuevas ideas. La bisociaciónUno de mis libros favoritos es Gramática de la Fantasía de Gianni Rodari. En él, Rodari presenta al binomio fantástico. Cuenta el ejercicio que hace con niños para inventar cuentos. Pasan dos niños, cada uno pone una palabra en una pizarra sin ver qué pone el otro y al mostrarla se genera esta idea de conectar dos cosas que no tienen nada que ver. Por ejemplo perro y armario. Él dice que esa tensión que hay en las dos palabras da para muchas cosas. Una chispa que provocará un cuento que podría ser : El perro en el armario, el armario del perro, el perro con el armario, etc. La bisociación sería pensar qué pasaría si el perro y el armario se aparearan imaginariamente y surgiera una nueva cosa con las característica de los dos: Un perro con estantes. Un armario que te sigue. En fin. A veces una idea es una transformación de algo que ya existe. Poner un mundo a vivirMauricio Kartún habla de la imagen generadora para empezar a escribir. En su libro “escritos 1975-2005” aparecen muchos apuntes de su que hacer como dramaturgo. Habla de cómo una obra se piensa como un organismo que se va construyendo a sí mismo. Él dice que escribir una obra es “poner un mundo a vivir”. Sin dudas que explicar el acto creativo es algo muy difícil de hacer. Sobre todo porque no para todos funciona igual. Pero llega un momento que es necesario saber cómo hacemos para crear, ya sea para enseñar o para mostrar o compartir. Hay un refrán oriental que dice: lo que oigo olvido, lo que veo recuerdo, lo que hago aprendo. Yo le agrego lo que enseño comprendo. En ese libro Kartún apunta algunos comienzos que son interesantes, algunas ideas generadoras de otros artistas que revelan un poder concentrado o una punto de partida:
En fin, comenta algunas cosas como: la línea diestra, la línea sensible y la línea irradiante. Y ya paso explicarlas para que no te quedes con la intriga. La línea diestra es la que denota la técnica aprendida, una recta, una curva. Esta línea demuestra todo lo que se ha aprendido para lograr algo claro, limpio. La línea sensible es un devaneo, es un fluir de la mano del artista, algunas veces es más ancha, a veces más delgada por momentos aparece una curvas por momentos unas rectas. Algo que se va construyendo libremente en el momento que sucede. Es por lo tanto expresiva, de algo que no es técnico sino personal o del momento dado. Dice que esta línea por momento se transforma, dice que irradia cuando podemos leer formas que podemos completar, figuras, rostros, paisajes etc. La línea irradiante es una línea que propone una o varias lecturas.
Germinador creativo en febrero
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Ahí estamos sentados en frente de la página en blanco sin poder hacer nada. Van pasando los minutos, las horas, los días…(exagero un poco). Y siempre encontramos algo para hacer. Algo más que nos llama la atención. Un mensaje de texto, un correo, un pajarito en la ventana, muy pocas veces me llaman las ganas de ir a lavar los platos. Pero hay días, que hasta prefiero lavar los platos, para no tener que enfrentarme a esa maldita hoja en blanco. Que aunque escriba, vuelvo a borrar.
Tirar del hilo narrativo
Escuché decir a Mauricio Kartún que su estrategia para escribir todos los días es cortar la escritura en la mitad de algo, es decir, no cerrar una escena o un capítulo al final de un día para que así al día siguiente podamos tener algo de dónde partir. Es como si dejaras el auto en una bajada. Acá ilustro con una anécdota personal de chico nacido en el oeste: Cuando mi padre tenía su camioneta con problemas de arranque (generalmente siempre), tenías que bajarte a empujarla para que arranque. Entonces mi padre siempre buscaba para estacionarla una calle en bajada. (Peñarol inteligencia). Esto es lo mismo en la escritura, llegar a tu hoja con cosas del día anterior, para saber qué continuar. Otra cosa que podés usar es la técnica de los tres cubos (baldes, cajitas, montones o como quieran llamarle) . Es muy interesante dividir las tareas en tres pasos. (En el enlace que les dejo pueden saber más) El primer paso es tener ideas sueltas, frases, imágenes, colocarlas en el primer cubo, luego el segundo cubo serán borradores, llenado sacando alguna idea del primer cubo y desarrollándola, a ver hasta dónde va. Ahí la colocan en el tercer cubo. Y el tercer cubo es el momento de la edición, corrección y recorte. Si lo hacen así, un día pueden dedicarse distintos momentos del día a trabajar en los cubos correspondientes. La verdad es que es una técnica bastante útil, porque al cabo de un rato fuiste haciendo cosas distintas y avanzando un montón. Pruébenlo y después me cuentan.
Lo que hacen muchos artistas antes de empezar a pintar calientan la mano en otra hoja. Es el fluido que conecta nuestra mente con el cuerpo y nuestra concentración. Largar el trazo, calentarlo. Al escribir es igual, abrir la canilla, dejar correr el lenguaje. Que se caigan las palabras. Entrar en ese sistema automático de escritura. La escritura automática es escribir sin importar qué estas escribiendo, nos ponemos a disposición de lo que surge en ese momento. Es un tipo de escritura fluida en la que no me detengo a pensar lo que está sucediendo. Aparecen las palabras y las frases fluidamente. No corrijo en ese momento, no me pregunto si está bien o mal, si es adecuado para lo que necesita el cuento o la escena. Me dejo fluir, tiro el hilo narrativo y me dejo sorprender. Más tarde será el momento de corrección. Más tarde corrijo la puntuación o las palabras adecuadas, las cambio por algunas mejores, saco las repeticiones o las remarco. Ahora solo me ocupo de tirar del hilo narrativo hasta que se acabe, hasta que se quede sin tinta, porque el hilo traerá enganchado seguramente algunas ideas o conceptos o formas que están dentro de mi mente a las que no llegaría pensando racionalmente. Las palabras brotan como una fuente, eso que hacemos es una improvisación libre, se experimenta un momento de libertad inagotable. Como si alguien más estuviera dictando el texto que luego quedaría apresado en esa página como una mosca en una telaraña. Las ideas simplemente aparecen esparcidas, regadas por el discurso. El texto será trama y luego más adelante habrá que desentramar o entramar de la forma más adecuada.
Arquímedes y su frustración
Les voy a dejar un enlace a un video de una charla que dio Rafael Spregelburd hablando del proceso creativo. En él, Spregeburd se vale de la anécdota de Arquímedes y el agua que se rebalsa de su bañera. La famosa anécdota en la que Arquímedes gritó Eurka, que no es la gallinita de Les Luthiers que también dijo Eureka. (aunque algo de relación tienen). Pero no nos distraigamos estábamos hablando de… de.. de Spregelburd que cuenta esta anécdota, la de Arquímedes para explicar el proceso creativo. Se centra en que la nueva realidad, la idea, la solución no hubiese sido descubierta por Arquímedes si éste no se hubiese frustrado. En ese momento de acumulación el científico dejó de pensar en el problema y se fue a tomar un baño y recién en ese lugar, lejos del problema halla la solución. Esto de alguna forma contribuye a la idea que el proceso creativo tiene estas fases de acumulación, frustración e iluminación para desarrollar una idea nueva. Así que si en medio de un proceso te aparece la hoja en blanco tal vez sea un momento de acumulación que tendrás que vivir o deberás descansar e ir a lavar los platos que también te están mirando. Taller de dramaturgia ONLINE
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Richard RiveiroEstamos en este planeta para compartir. Este blog es un espacio de reflexión sobre el teatro y la vida. Mi trabajo es estar atento. A la escena. A lo que ocurre adentro, afuera, desde y hacia la escena. Cómo late, cómo suena, cómo se percibe desde los sentidos. Archivos
Febrero 2023
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